Artistes

Un beau palais. Voilà ce qu’est en train de construire Yannis La Macchia. D’innombrables pièces, des couloirs partant en tout sens et trônant au centre son amour de la bande dessinée. Car le Suisse est un spécialiste du 9e art. Ou plutôt des 9e arts tant il le démultiplie, lui fait prendre des formes toujours nouvelles, toujours pertinentes. Formats numériques inclusifs, strips pour les journaux, pavés en cube voire album papier classique, Yannis La Macchia fait de la forme un fond comme un autre. À l’intérieur de ses pages, slides et cases, une même attention est portée au dessin qui peut se faire aussi méticuleux qu’enlevé, à la fois documentaire et cartoonesque. Chacune des portes installés par le Genevois s’ouvre sur un nouveau monde et nouvelle façon de le regarde. Appellez-le Yannis l’architecte.

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Avec les illustrations de la Luxembourgeoise, rien d’impossible en ce bas monde. Une fraise géante peut éclairer la pièce, un verre à cocktail arbore volontiers le sourire taquin et les poissons nagent dans les arbres sans se poser les questions les plus élémentaires. Viktoria Mladenovski n’est pas du genre à piétiner les élans de l’imaginaire pour coller à quelques réalité que ce soit. Ce sont ses humeurs qui, avant tout, guident sa ligne claire et ses compositions fournies. Alors, ses émotions prennent les formes les plus improbables pourvu que le message passent et que les couleurs enjolivent le tout. L’animatrice et illustratrice semble prendre un malin plaisir à laisser son cerveau s’égarer et prendre les chemins détournés. Suivant la guide, nous entrons nous aussi au pays des merveilles.

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Si on prend la journée dans sa globalité, force est de constater qu’il ne s’y passe pas grand chose. Bien sûr, ça et là on notera quelques pics d’intensité, mais les creux, voire les vides, prennent largement le pas. Et c’est sur ceux-ci que Sun Bai a choisi de se concentrer. Ses couleurs feutrées et son trait à peine esquissé dépeignent avec délicatesse ces temps d’attente où l’on fume une clope, lit un bouquin et scrolle à qui mieux mieux. C’est lors de ces moments improductifs que la Lilloise perçoit la plus grande sincérité, la vraie façon d’être nous-mêmes. Portant une attention accrue à ses personnages, elle se glisse dans cette pure intimité pour faire parler les non-dits et exprimer haut ce qui nous bouleverse si bas. Pour elle, c’est lorsqu’il ne se passe rien que tout advient.

La générosité est une belle qualité, il faut bien admettre. Et Sophie Della Corte est loin d’être avare, c’est un fait. À tous ceux qui ont faim de compositions fournies et soif de lignes minimales, la Lyonnaise en a plein son chariot. Chacun de ses dessins est ainsi un festin pour les yeux qui ont de quoi se repaître de longues minutes en observant, décryptant et admirant. Le nerf se chargera ensuite transmettre les éléments picturaux à un cerveau qui pourra se rouler dans les nourritures de l’esprit pour élaborer un ou plusieurs messages à sa guise, tant l’illustration de Sophie Della Corte pousse à la narration et à l’interprétation. Ajoutez à cela la science du contraste et de la couleur qui rutile, et vous aurez un repas complet, offert à l’œil par votre servitrice.

Il se dégage des animations de Shi Rou la douce odeur de l’authenticité. Sa façon de dessiner n’y est pas pour rien, elle qui se démène pour tout faire artisanalement. Les traces de ses craies témoignent ainsi de son attachement à nous faire voir la main qui passe sur la feuille, à nous faire comprendre que, derrière la magie d’une image qui bouge, il y a un être humain qui s’agite. Pourtant, si cette matérialité touche, elle n’est pas le centre des intentions de la Taïwanaise qui préfère user de l’élégance de son style pour sinuer sur les sentiers de la poésie. Cette alliance des deux, d’une matérialité qui s’élance vers le ciel des émotions, permet un raccourci bouleversant entre l’œil de le.a spectateurice et son petit cœur ramolli. Shi Rou nous parle sans filtre, et ça se ressent.

Les dessins ne se contentent pas de rester cantonnés à la platitude de leur feuille. Pas ceux de  Pauliina Mäkelä en tout cas. Les siens se diffusent dans l’air, enveloppent le regardeur, créent autour de lui une nouvelle dimension qui le coupe tout à fait de son environnement naturel et, pour tout dire, relativement ennuyeux. Grâce à une maîtrise totale du crayon et la volonté de viser la perfection, elle parvient à entrer dans notre monde et en faire vaciller les certitudes. Ses images évanescentes s’infiltrent alors en nous, berçant nos cœurs d’une mélancolie fantastique dans laquelle rien n’est réel mais où tout est vrai. Poser son regard sur les œuvres de la Finlandaise, c’est entrer dans un territoire inconnu dont chaque élément nous semblent puissamment familier. Bouleversant.

Le réalisme n’est pas le bout de chemin pour Nicolas Badout qui mêle son art de la figuration a son désir tenace de venir titiller l’abstraction. Il faut bien dire que cet alliage provoque le guilis dans les réseaux synaptiques, ces titillements qui rendent la vie passionnante. Grâce à son amour du contraste et des motifs, sa maîtrise du noir et du vide, le Lyonnais parvient à faire de chacune de ses illustrations une plongée dans les mystères de notre environnement. Ses œuvres offrent à la réalité une vérité qu’elle nous cache trop souvent. L’hypnose du bruit des feuilles, la fascination des flammes, le souvenir qu’on a effacé : tout ça surgit devant nos yeux qui s’embuent sans qu’on n’y prenne garde. Alors, Nicolas Badout parvient à toucher une chose rare dans le monde d’illustration : la profondeur.

Il y en a qui ne s’embêtent pas. Marta Reis Andrade aurait pu faire des films d’animation ratés comme tout un chacun. Mais non. Voilà-t-y pas qu’il fallait que les siens fussent brillants. Dog Alone, par exemple, qui a été primé aux Sophia Awards, les César portugais. Dans un coloris sépia d’une élégance rare, la Portugaise bouleverse nos cœurs mous avec l’histoire de ce chien esseulé. C’est que l’animatrice sait y faire pour conter avec nuance des histoires poignantes et fascinantes. Grâce à un dessin vibrant où l’on croirait voir la main de l’artiste, à ses hésitations qui forment sa perfection et à sa douceur qui vient toucher le fond des âmes, celle qui est passée par le Royal College of Arts de Londres parvient à emporter le spectateur où bon lui semble. Ainsi, lui non plus, ne s’embête pas.

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Oui, il existe bien des silences qui sont assourdissants. Les illustrations de Lucas Burtin, par exemple, ne hurlent pas au pied de notre rétine. Elles sont la délicatesse même. Pourtant, leur chuchotement constant viennent créer un vacarme de significations et d’émotions. De sa ligne claire et de ses couleurs effacées, le Lillois parvient à déclamer plus haut et plus fort que n’importe quelle saillie spectaculaire les folies de notre temps. En arrangeant avec élégance les motifs de notre quotidien et les signes de l’apocalypse qui vient, il parvient sans peine à faire de ses fictions le réceptacle des aspérités de notre temps. Alors l’oreille, lasse à l’écoute des mots sans signification, laisse la main à nos yeux, goûtant ici parfaitement les cris de notre réalité. Les sens sont éveillés.

L’espoir est une notion qui peut s’oublier avec le temps et les poutres qui ne cessent de se caler dans nos roues. Pourtant, Lilit Zargaryan a décidé de ne jamais l’abandonner et chemine avec elle sur le sentier de l’existence. Toujours bien calé dans ses bras lorsqu’elle dessine, ce doux sentiment s’étale sur ses illustrations dont les couleurs éclatantes ne sont pas le seul motif d’admiration. Car, voilà, la Lyonnaise s’évertue à représenter les affres de notre quotidien avec l’assurance que l’avenir ne fait pas peur. La pluie cessera bientôt, les nuages laisseront percer le soleil et l’amour vaincra à la fin : tels sont les mantras de la jeune artiste qui, par la magie de son trait noir appuyé et de ses contrastes marquants, parvient sans peine à les faire nôtres. Demain, tout ira mieux, tu verras.

Chante, la vie, chante, nous disait il y a quelques années de cela le grand Michel Fugain. À l’écoute des penseurs de son pays, Laura Lhuillier a pris le musicien au mot en faisant de son travail une ode aux bonheurs de l’existence. Une ville en fête par ci, un chien espiègle par là, une robe mignonne d’un côté, un paysage riant de l’autre et c’est toute l’âme qui se réchauffe d’un coup. Formes simples et couleurs chamarrées se marient ainsi pour le meilleur et le meilleur, venant tricoter à l’intérieur de notre esprit de quoi retrouver cet espoir dont on ne sait jamais ce qu’on a fait. Dessin après dessin, La Lyonnaise tisse ainsi sa grande toile de la joie et l’agite devant un public toujours plus ravi de voir que l’obscurité n’a pas tout envahi. Un rayon de soleil.

Le travail de Juliette Mancini est celui de la confrontation. Confrontation entre les disciplines, en premier lieu, elle qui touche aussi bien à la bande dessinée qu’à la peinture, à l’estampe qu’au design graphique. Mais à l’intérieur même de ses images, la Française et néanmoins Genevoise continue de faire se croiser les divergences. Des trames viennent se fondre dans de grands aplats, la ligne noire et fine se juxtapose aux couleurs vibrantes et l’onirisme pose sa voix poétique sur des problématiques ô combien concrètes. De ces discussions naissent l’échange et les antinomies visuelles ou narrative pensent soudainement à se marier d’amour. En ressortent des images à lire attentivement, pour y entrevoir une vérité encore jamais perçue. Avec elles, les contraires s’attirent effectivement.

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Aux rêveurs de tous les pays, vous avez trouvé un ami à qui parler. João Gonzalez est issu de cette drôle de branche de l’espèce humaine qui prend pour acquis que la plus belle réalité est celle qui s’ébroue là, dans les coins les plus incontrôlable de notre cerveau. L’animateur et dessinateur portugais se laisse ainsi voyager à qui mieux-mieux dans ces lieux qui n’existent pas, contemplant ces mondes flottants sans jamais vouloir atterrir. Revenu sur notre bonne vieille terre, le réalisateur de Ice Merchants s’échine à nous raconter les sentiment qui l’ont envahi. C’est alors que la magie opère. Emporté par on ne sait quel vortex, nous plongeons avec lui dans cette autre dimension qui nous raconte, pourtant, des vérités bien réelles. Comme pour les rêves, c’est l’interprétation qui compte.

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Tout dépend de la façon dont on regarde le monde. Car, non, le spectacle le plus frétillant ne se trouve pas forcément dans l’exceptionnel. Il peut être là, au café du coin, dans son canapé ou sur le trottoir devant chez soi. C’est ce que figure depuis plusieurs années le travail de l’Américaine Haley Tippmann. Celle qui réside désormais dans la campagne allemande ne trouve rien de mieux à faire que de trouver l’extraordinaire dans le motif d’une chemise, une conversation entre amis et le moment le plus creux d’une journée de télétravail. Grâce à son trait léger et ses couleurs chatoyantes, la voilà qui transforme la lie de la banalité en une aventure esthétique de premier choix. C’est là le pouvoir de l’ancienne élève de Central Saint-Martins : avoir l’œil et le bon.

La valeur n’attend point le nombre des traits. Gabriel Sabourin l’a bien compris qui utilise avec parcimonie cet outil pourtant bien pratique pour dessiner le monde qui nous entoure. Oui, mais voilà, à ces lignes qui engoncent il préfèrera toujours l’espace et le libre cours. D’autant que le Montréalais peine à se contenter de la triste réalité. Si ses coups de crayon sont peu nombreux, ils ne sont pas avares en envolées déroutantes et autre fantaisies morphologiques. Chacun des objets du quotidien qu’il dessine jouent de la gourmandise pour offrir tous les ingrédients d’une recette hors du commun.  Au regardeur, alors, de s’approprier les différents nutriments pour se faire un plat visuel à son goût, son imaginaire boosté par la fraîcheur du chef. Un repas cinq étoiles, en quelques minutes seulement.

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Aficionados du triturage, passez votre chemin. Tzu-Chun Chang fait dans l’admiration et la simplicité. Son minimalisme en étendard, elle offre à le.a regardeur.se le pouvoir de la forme et la puissance des couleurs. En quelques aplats et compositions léchés, elle vient capter la beauté du monde, laissant les tristes sentiments à la porte de ses illustrations. Car ce qui intéresse la Taïwanaise n’est pas tant la démonstration d’un trait mimétique que la possibilité d’une émotion. Ainsi, ses paysages oxygénés donnent à notre esprit la possibilité de la promenade. Alors, viennent à chacun.e, en son for intérieur, les premières évocations d’un poème randonneur, alliant romantisme et contemplation, fougue et sérénité. Il ne tient qu’à nous, humbles marcheur.ses, d’en écrire la suite.

🤝 Dans le cadre du Focus Taïwan, avec le soutien du Ministere of Culture et du Centre culturel de Taïwan

L’illustrateur Taïwanais joue à Dieu. Peu importe le format de la page qu’il sublime, il donne l’impression de vouloir l’outrepasser et créer encore des gens, des choses et des architectures qu’il dessine avec une tendresse infinie. Car lui, c’est le monde qu’il voudrait façonner tout entier. Et, diable, il n’en est pas loin avec ses dessins foisonnants, chamarrés et, pour le dire vite, incroyables. Oui, Croter nous bluffe et pas seulement par la masse de travail qu’il semble abattre à chacune de ses réalisations. Il ébaubit le.a regardeur.se aussi par la qualité de son style qui entasse et empile sans jamais nous ensevelir. Sa main habile parvient à maintenir dans ses travaux démiurgiques un indéfectible sentiment d’humanité. Ne cherchant rien d’autre que de nous rendre heureux.ses.

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La Taïwanaise fait des bulles. Ses dessins, comme suspendus, nous entraînent dans ces étranges espace-temps qui ne doivent rien à la course des heures, rien aux situations géographiques. Oh, bien sûr, ils ne sont pas totalement hors des choses de la vie. On reconnaît là des types de lieux, des personnages, des paysages et aucune des activités qui y sont décrites ne s’écartent des occupations humaines habituelles. Mais tout de même. Son dessin d’aplats marqués, seulement interrompus par quelques lignes fines, nous entraînent dans un monde fait de chuchotements et de contemplations. Le.a dormeur.se continuera sa sieste au-delà du raisonnable, le.a lecteur.ice poursuivra sa lecture encore et encore, le.a horloger.e réparera toujours ses montres. Tout y semble figé pour l’éternité. Tant mieux pour nous.

🤝 Dans le cadre du Focus Taïwan, avec le soutien du Ministere of Culture et du Centre culturel de Taïwan

Il fait bon, parfois, cultiver l’art de l’ambiguïté. Costanza Starraba le fait à merveille dans des illustrations qui ravissent l’œil et interroge notre mal-être. Car si la rondeur des formes et l’éclat des couleurs rangent les travaux de l’Italienne du côté de la cajolerie oculaire, l’excroissance de ses proportions et le traitement gluant de sa palette chromatique dérangent subtilement. Ainsi, nous avons affaire à des images mutantes, tournant autour du banal pour en faire un monstre, trop grand, trop gros, trop sirupeux. Et c’est là que Costanza Starraba touche la partie de notre cerveau la plus intéressante : celle qui doute et qui s’empêche de poser frontières et barreaux. La vie déborde pour le pire et le meilleur. Et c’est précisément ce que retranscrit la Milanaise.

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Tout, dans les dessins de Christoffer Ellegard, donne le cœur joyeux et la rétine satisfaite. Car le Genevois a la ligne gracile, la composition précise et le sourire au bout des doigts. Combinant ses facultés de graphiste et d’illustrateur, il parvient à donner à ses œuvres, illustrations comme livres jeunesse, l’efficacité des images marquantes et la puissance évocatrice des narrations bien ficelées. À la fois épurées et foisonnantes, aux motifs précis et aux traits baladeurs, ses réalisations combinent le meilleur des mondes visuels pour permettre à son auteur d’aller jusqu’aux cimes de la fantaisie sur lesquels l’ancien étudiant de la HEAD aime se promener l’allure légère. Et nous y sommes avec lui pour regarder de là-haut l’univers zinzin qu’il a bâti. La vue est belle.

🤝 Avec le soutien du Consulat général Suisse

Il faut regarder ses carnets. Même lorsqu’elle cherche, esquisse et place mille dessins par page, c’est ébouriffant. Comme une évidence, sa main trace la distorsion poétique, le trait juste et l’expression évidente. Chloé Farr fait partie de ces super-héroïnes de la ligne pour qui se faire le miroir de la réalité ne semble pas une gageure. Que ce soit dans ses animations, dont elle s’est faite une spécialité, ou dans ses illustrations, l’habile contraste du noir et des couleurs, du réalisme et de la dysmorphie, parvient à toucher juste. Car aucune de ses outrances graphiques n’est là pour impressionner le chaland. Elles ont ce pouvoir de remuer le bas du ventre, de toucher ce nerf qui viendra faire popper les idées les plus grandioses au cœur du cerveau le plus endormi. Tout ce qu’on demande au dessin.

Derrière le spectaculaire et l’explosif de ses folles animations, le travail de Cheng-Hsu Chung cache un travail supérieur sur la question de la fluidité. Fluidité formelle, où les plans se fondent les uns dans les autres, où les perspectives se font malléables et où les personnages coulent et se transforment à l’envie. Fluidité de fond, également, puisque les œuvres du Taïwanais et néanmoins Berlinois ne cessent de couler du réalisme au surréalisme, de la banalité à l’absurdité, du quotidien au merveilleux. Cette cascade d’expérimentations offre pourtant des prises bien palpables : celle d’un artiste qui, par le prisme de cette fluidité esthétique et intellectuelle, s’interroge sur la mouvance des genres et des sexualités. La réflexion comme un feu d’artifice.

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Les images d’Alice Bloomfield tranchent, percutent et transportent grâce à la création d’un univers aussi proche qu’éloigné du notre, un monde sombre et pétri de lumière. Derrière les visuels de la Londonienne se cache un phénomène d’attraction répulsion pour notre présent, qu’elle vient chalouper à grand coups d’anatomies difformes et de noirs profonds, dans une sorte de body horror qui vient troubler l’idée même que nous avons de la beauté. Dans des compositions fournies où discutent le rétromanie et le modernisme, les jeunes femmes dessinées par l’Anglaise déploient leur spleen luxueux, comme acharnées par la perfection esthétique et dégoutées par cette poursuite incessante. Le doux amer comme une nouvelle forme de poésie gothique.

Il y a quelque chose de pas net dans les illustrations de Jack Fletcher. Il triche, c’est sûr. Comment est-il possible que le dessin bouge alors même qu’il ne bouge pas ? Comment peut-il être statique quand tout est mouvement ? Sorcellerie. Bûcher. Etc. Attendez. Avant cela, profitons quand même des quelques images laissées par l’Écossais. C’est qu’elles sont diablement belles, quand même. Bourrées de dysmorphies, de mouvements de vitesse et de couleurs improbables, elles sont la tentation même. Innovantes, briseuses de possibles et franchement délicieuses au regard, elles mériteraient même l’absolution. Ne dit-on pas qu’il faut savoir être miséricordieux ? Après tout, Jack Fletcher n’est pas forcément un sorcier. Il est plus simplement un magicien.

🤝Avec le soutien du Scottish Government France Office

Le joli jour du 18 mars 2022, nous découvrions la première bande dessinée de Mia Oberländer, Anna. Depuis, jamais le charme ne fut rompu. Il y avait l’histoire, bien sûr, faite d’entorses aux normes et d’intelligence narrative. Et puis, les dessins. L’Allemande, qui nous était alors inconnue, montra à nos yeux ébahis son graphisme semblable à nul autre, où la simplicité se nouait d’amitié avec l’exubérance. De ces deux opposés, l’élève d’Anke Feuchtenberger parvient à tirer un savoir-faire unique en misant sur le minimalisme du trait et la distorsion des formes. Par là-dessus, elle vient appliquer une science de la composition hors-norme, une fausse candeur terriblement humaine et des couleurs aux contrastes tranchés. Transformant le peu en abondance, Mia Oberländer se fait la prophète d’une ère nouvelle.

🤝 Avec le soutien du Consulat général de République fédérale d’Allemagne

Le dessin est histoire de synthèse. Nul besoin de reproduire les quelques milliards de cellules d’un corps humain pour en restituer la puissance. Un trait ou deux, quelques formes bien choisies et des couleurs en bonne entente peuvent créer la beauté. Depuis de longues années, Marylou Faure empile délicieusement ces quelques pièces et nous les transforme en personnages qui rendent à l’individu terne son éclat d’antan. Ses femmes n’expriment rien d’autres que la joie d’être elles-mêmes et requinquent en cela même celleux qui n’y croient plus. En sculpture ou sur papier, voilà ses créations qui se baladent telles des bonnes fées, tapotant de-ci de-là de leur baguette magique nos têtes bouillonnantes. Quelques traits pour un bonheur infini, il faut avouer que la cure est efficace.

La vie d’un·e citoyen·ne ordinaire n’est pas faite d’actes héroïques ou d’évènements spectaculaires. David Huang le sait et s’échine à offrir à nos petits riens son grand talent. Caresser un chat, se rendre au bistrot, écouter de la musique, voilà de quoi se meuble l’existence. Le Taïwanais et néanmoins Londonien rend à cette architecture intérieure toute sa beauté. Avec un trait dynamique et des couleurs puissantes, il vient insuffler au quotidien le charme qu’on ne perçoit plus vraiment. Comme l’enfant qui découvre le monde, nous retrouvons dans les dessins de David Huang de quoi sourire à nouveau. Ainsi, de l’œil aguiché remonte au cerveau ce souvenir imperceptible qu’il faut pouvoir s’émerveiller de chaque moment. Commençons, déjà, par s’émerveiller de ses images.

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Au détour d’un chemin semé d’embûches, le regardeur débouchait sur un espace encore inconnu. Cette luxuriance mêlée d’innocence, cette nature où plus rien ne lui était hostile : le déjà-vu travaillait son esprit. L’Eden, bon sang mais c’est bien sûr. Car ce reluqueur n’avait pas la berlue, il se trouvait simplement devant le travail de Camille Gobourg qui ne cesse de faire de ses pages blanches le reliquat d’un paradis perdu. En agençant savamment formes et couleurs, en usant de la peinture comme d’une caresse, la Lyonnaise offre au spectateur une joie inattendue autant qu’une occasion d’être enfin lui-même. Souvenirs d’une madeleine que nous n’avons jamais mangé, les œuvres de Camille Gobourg nous ramène à un futur auquel nous n’avons jamais cru. Vivement hier.